Новости

"Искусство продавать: как устроена и на чём зарабатывает частная художественная галерея": интервью основательницы ABRAMOVA GALLERY Елены Абрамовой

 

Как всё начиналось 

Я окончила институт, который в Петербурге традиционно называют Академией художеств. Он готовит не только художников и скульпторов, но считается одним из лучших вузов по подготовке теоретиков искусства. Я училась на факультете истории и теории изобразительного искусства. Тогда я ещё точно не знала, как моя искусствоведческая специализация будет реализована в дальнейшем, но хотела разбираться именно в этой сфере. После института была возможность преподавать или работать в музее. В то время я ещё не думала о том, что стану галеристом, хотя уже тогда была мечта организовать свой бизнес. Позже я окончила магистратуру факультета свободных искусств СПбГУ по программе «Арт-критика и кураторские исследования» - так как хотела не только стать экспертом в области современного искусства, но и научиться создавать и реализовывать собственные кураторские проекты. 

А ещё до поступления в институт я окончила единственное в мире золотошвейное училище в Торжке, на время переехав туда из Петербурга. Ручная работа мне очень нравилась, казалась романтичной, очень женской и изысканной. Именно золотым шитьём я долгое время зарабатывала на жизнь и учёбу. Эта первая моя специальность до сих пор откликается во мне как любовью к уединению, так и уважением к ручному труду, пониманием того, как сделано то или иное произведение. Конечно, есть большая разница между ремеслом и искусством, но всё же, когда понимаешь процесс ручной работы, это влияет на восприятие работы художников.

 

И во время учёбы в Академии художеств, и после её окончания я работала. В один из периодов – секретарём Художественного совета по народным промыслам, занималась организацией выставок декоративно-прикладного и народного искусства в России и за рубежом. Эта работа мне очень много дала, научила общению как с творческими, так и с деловыми людьми. И практически всегда - параллельно с основной работой, на которой я была наёмным сотрудником - у меня было своё дело: небольшое швейное или вышивальное производство с двумя-тремя мастерами. 

Галерея имени себя 

Однажды крупный банк поручил мне подбор корпоративной коллекции – и после этого сформировалась моя репутация как галериста, появилось доверие в отношениях с художниками. Именно этот проект помог мне войти в арт-рынок и реализовать мечту о собственном бизнесе. Но как только я решилась, грянул кризис 2008 года, и обстоятельства стали очень сложными. Когда у тебя нет тыла и финансовой подушки безопасности, а ты начинаешь бизнес с нуля – это непросто. С другой стороны, если бы у меня не было такой критической ситуации, может, я бы на этот шаг и не решилась. С одной стороны, это риск, а с другой – когда отступать некуда, у тебя нет права не смочь.

 

Первая галерея, которую я организовала в Петербурге, называлась «ДекАрт». Она просуществовала 10 лет и была достаточно успешной. Прошло время, и я решила развиваться дальше как Abramova Gallery. Когда я выбирала новое название для галереи, несколько моих постоянных клиентов рекомендовали дать галерее своё имя. Потому что я – эксперт, лицо компании, и они идут ко мне лично за решением своих задач. Я поменяла не только название, но и концепцию, и локацию галереи. В начале прошлого года я услышала, что в Петербурге открывается центр дизайна «Артплей» - и поняла, что именно здесь я бы хотела продолжить своё развитие. Это многофункциональный центр, здесь всё связано с дизайном интерьера: сюда приходят заказывать дизайн-проекты, выбирать отделочные материалы, мебель, свет… Это центр притяжения людей, которые осмысленно относятся к пространству, в котором живут, и хотят окружать себя предметами, которые бы делали это пространство уникальным.

На начальном этапе в создание уникального пространства галереи, ремонт и аренду я вложила не только собственные средства, но и привлекла заёмные. Конечно, переезд, ремонт нового помещения, оплата аренды двух локаций параллельно на время ремонта потребовали много вложений. За время работы нового пространства я ещё не смогла вернуть те средства, которые вложила, но, надеюсь, что за два-три года проект окупит себя и начнёт приносить прибыль. 

В поисках новых имён 

Основная специализация Abramova Gallery - подбор предметов искусства для частных и корпоративных коллекций, интерьеров и деловых подарков. Наш главный интерес – современное российское искусство, у нас представлены живопись, скульптура и графика. В начале своей деятельности я ориентировалась на петербургских художников, но сейчас мне стало интересно работать и с художниками из других городов. В течение двух лет, предшествующих открытию Abramova Gallery, я ездила по России, искала художников, чтобы сформировать лицо галереи. Раз в полтора-два месяца мы проводим выставки, часто привозим и показываем в Санкт-Петербурге новые имена.

 

В галерее два больших помещения: одно для выставочных проектов, другое –шоу-рум, в котором собраны работы всех художников, скульпторов, графиков, с которыми мы сотрудничаем, это около 50 авторов. Я очень тщательно продумывала и планировала интерьер, чтобы работы были в сохранности, чтобы к ним был удобный доступ, чтобы они не мешали друг другу. Сейчас галерея выглядит именно так, как мне всегда хотелось. 

Активизировать спрос 

В Петербурге много художественных салонов, а галерей современного искусства мало. В чём их отличие - художественный салон продает всё, на чём может заработать. Это может быть не только живопись, а декоративно-прикладное искусство, сувениры, поделки. У салона чаще всего нет никакой специальной концепции – это магазин по продаже художественных произведений. У художественной галереи есть своё направление и концепция развития: свой круг художников, план их выставок, выпуск искусствоведческих статей и каталогов. Многие галереи имеют свою коллекцию произведений, участвуют в профессиональных событиях в сфере искусства, являются экспертами арт-рынка.

 

Основная задача - не справиться с конкуренцией, а активизировать спрос. У нас есть очень обеспеченные люди, которые легко могут позволить себе купить картину и целые коллекции, но они либо ориентированы на антиквариат, либо вообще не интересуются искусством. Очень невелик процент людей, которые готовы вкладывать деньги в современное искусство и у которых в жизни искусство занимает хоть какое-то место. Большинство даже не представляет, что можно прийти в галерею и купить работу художника, который есть в музейных собраниях Эрмитажа, Русского музея, Манежа. Люди удивляются, видя музейные каталоги в галерее и аналогичные работы на стенах. Это то, во что, безусловно, стоит вкладываться, потому что это и инвестиция, и эмоциональный капитал. Поэтому, когда меня спрашивают про инвестиции в искусство, я делаю акцент не только на деньги, но и на эмоции, на создание среды, в которой ты живёшь. То, как искусство влияет на человека, не менее ценно, чем прибыль, которую можно получить, хотя она тоже будет при правильном выборе произведения искусства.

Что продавать 

Для галериста существует две основных проблемы - что продавать и кому продавать. Нужно сформировать свой пул художников, который бы отличался от пула других галерей, воплощал мои эстетические воззрения, моё отношение к искусству. И, естественно, нужен круг клиентов, которые были бы с галереей на одной волне. Мне нравятся художники, которые существуют в русле изобразительной традиции. Когда мы смотрим на картину и чувствуем состояние, в котором художник её писал, с ним резонируем, картина раскрывается для нас новыми гранями и её эмоциональный заряд не иссякает. Это такие многослойные, многозначные произведения, которые не надоедают и не устаревают. Чаще всего, это художники, которые продолжают традиции модернистской живописи, но в них есть и новизна, и поиск, и откровение, и уникальность.

 

По какому принципу я выбираю художников для своей галереи? По любви: смотрю на работы и чувствую с ними резонанс, тонкое совпадение, желание познакомиться с их создателем лично... Вот так всё и начинается. Вообще это сложный вопрос и, можно сказать, больной. Художников у нас много, но действительно хороших – единицы, как и профессионалов в других областях. У многих сейчас к искусству дизайнерский подход. Хотят пятно на стену, очередное украшение для интерьера подобрать. Я же к искусству отношусь как к части духовной жизни человечества в высшем смысле этого слова. 

Кому продавать 

У галереи три основных направления работы - мы формируем частные и корпоративные коллекции, подбираем искусство в интерьер и для деловых подарков. Отсюда и категории клиентов: частные коллекционеры; компании, которые формируют корпоративные коллекции; дизайнеры или частные заказчики, которые подбирают искусство для своих интерьеров; топ-менеджеры крупных компаний, которым нужны индивидуальные дорогие подарки для своих партнёров. Если говорить о корпоративных клиентах, это крупный бизнес - банки, производственные и нефтегазовые компании. Если о частных лицах – это предприниматели и топ-менеджеры с доходом от 500 000 в месяц. Корпоративных клиентов, клиентов, к сожалению, не много. Сейчас не самое лучшее время для бизнеса, поэтому все непрофильные направления сокращаются. Но те компании, которые остались верны своим художественным интересам – самые преданные любители искусства – по-прежнему с нами.

 

Коллекции пополняются нечасто – тут даже не в регулярности дело. Бывает, что нужно подобрать работу к уже имеющейся коллекции, чтобы она гармонично сочеталась с ней. Когда появится такое произведение – сложно сказать, но процесс подбора, поиска, предложения – идёт непрерывно. Как мы ищем клиентов? Я стараюсь постоянно расширять круг знакомств, посещать культурные и деловые мероприятия, выставки, лекции. Мы организуем мероприятия и у себя в галерее, сотрудничаем с коллекционерами, искусствоведами, дизайнерами, журналистами. Как и в большинстве сфер бизнеса, важный источник новых клиентов – рекомендации уже существующих, которые за годы сотрудничества стали друзьями. Случайных встреч почти не бывает. В большинстве случаев новый человек становится постоянным клиентом. На данный момент таких клиентов у нас около 300. Для продвижения используем стандартный набор: сайт, социальные сети. 

Как всё работает 

Я беру работы у художников на реализацию по договору комиссии и получаю проценты с продажи. В мою работу входит продвижение художника, организация персональной или коллективной выставки, проведение экскурсий, лекций, освещение в СМИ. Как устанавливается цена на картину? Художник, будучи студентом, оценивает свою работу плюс-минус по себестоимости: складывает цену кистей, красок и куска хлеба, чтобы не голодать, пока он эту картину пишет. Если он написал 10 работ и все их продал в течение года, то цена повышается на 10-20%. Если опять всё купили – опять повышается. Таким образом цена растёт до того момента, пока работы не начнут скапливаться. С этого момента цена замораживается на какое-то время. На стоимость, естественно, влияет техника, в которой выполнены работы - холст-масло, графика… Есть ещё такой важный фактор, как музейные коллекции. Если у художника картину покупает музей, то цена на него может вырасти в несколько раз, так как это подтверждение его значимости для развития искусства.

Конечно, у нас нет арт-рынка в западном понимании, но всё равно есть общее представление – этот художник стоит 50 тысяч, этот 500 тысяч, а этот ­– миллион. Так что рынок всё равно есть, и его профессиональные участники в нём ориентируются. Критерий цены на работы того или иного художника существует, так как мы работаем с известными авторами. В разных городах и в разных странах цены на их работы примерно одинаковы, это правило диктует формирующийся в России, но уже давно существующий в других странах арт-рынок. Галереи избегают сотрудничества с теми художниками, которые это правило не соблюдают. Цены на работы у нас фиксированные, но бывают скидки. Чаще всего это происходит по инициативе автора произведения: нужны деньги на новый проект, например. Как правило, это 10%, не более, и при условии, что сразу покупается много работ. Но, честно говоря, предугадать, как быстро купят работу практически невозможно: часто бывает, что и работа замечательная, и цена адекватная, а она висит и висит. И пока до галереи дойдёт человек, который захочет стать её владельцем – неизвестно.

 

Иногда бывает всё то же самое, но работа не провисит и часа. Даже не успели на стену разместить – её уже купили. Это вопрос случая и стечения обстоятельств, везения. Я стараюсь формировать этот случай, конечно, знаю, кому предложить ту или иную работу, и кому она подойдёт. Но если я не продаю работу сразу же, она может остаться в галерее на несколько месяцев. Бывает, галерея продаёт в месяц пять картин, бывает - двадцать пять. Маржинальность этого бизнеса достаточно высока, но при условии, если не вкладывать деньги в развитие и не платить аренду. Но это не наш метод. 

Творчество плюс маркетинг  

Одна из самых интересных и ответственных вещей в моей работе – организация выставок. Это большая творческая работа, куда входит выбор художника/художников, создание концепции, подготовка текстов, подбор работ, создание экспозиции, приглашение гостей и организация вернисажа. Это возможность для художника посмотреть на свои произведения со стороны, в новом свете, а для галереи – показать своего автора максимально большому количеству зрителей, привлечь к нему дополнительное внимание, а также способ продвижения себя в информационном пространстве.

 

На языке бизнеса выставки – маркетинговый инструмент, на который мы, конечно, тратим деньги, но благодаря им повышается узнаваемость художника, следовательно, растут продажи его работ. Я планирую развивать и новые направления: продвигать российских художников не только в Санкт-Петербурге, но и в мире, представлять у себя проекты из других стран.

Всё сама 

Конечно, как и любой начинающий новое дело предприниматель, я совершила ряд ошибок. Основная моя ошибка не финансовая, а организационная: я долгое время не нанимала в галерею сотрудников. Работала одна, плюс у меня была «на подхвате» помощница – студентка без опыта работы. Все вопросы приходилось решать самостоятельно: я сама вела все проекты, отвечала на звонки, работала с клиентами. Я всё время держала руку на пульсе и боялась, что если сама чего-то не сделаю, всё рухнет. В итоге в какой-то момент у меня началось профессиональное выгорание, проблемы со здоровьем и т.д.

 

Сейчас я поняла, как важно делегировать полномочия, что никакая деятельность, даже самая интересная, вдохновляющая и развивающая, не должна становиться единственной в жизни, поглощать человека полностью. В новой галерее я наняла профессионального сотрудника для постоянной работы, привлекаю специалистов на временные проекты. Сейчас в штате Abramova Gallery работают два человека - арт-менеджер и бухгалтер. На аутсорсинге обычно фотограф и дизайнер. На выставочные проекты привлекаю кураторов и консультантов. 

Время для себя 

Галерея работает с полудня и до позднего вечера. Утро – это моё личное время, которое использую для собственного восстановления и развития: медитирую, читаю, занимаюсь спортом. Моя работа довольно затратна в энергетическом плане. Когда ко мне приходит посетитель, мне хочется дать ему именно то, за чем люди приходят в музеи, театры и галереи: заряд энергии, поток новых чувств, погружение в мир искусства. Это требует определённого настроя, умения управлять собой и своим состоянием. Для меня очень важно находить время для себя, не быть рабом галереи.

Автор: Сергей Пилешка

Ссылка на оригинал текста: здесь

С 14 июня по 31 июля в пространстве Abramova Gallery пройдет персональная выставка Игоря Ширшкова «А - Абстракция»

В начале XX века Василий Кандинский писал, что духовное в искусстве ближе к абстрактному мышлению, потому что выражает то, что не лежит на поверхности реалистического восприятия. В научном мире существует постоянное стремление объяснить законы мироздания, однако, математик объясняет, а до конца объяснить не может. Что-то ускользает от понимания или не поддается выражению словом. Художник не объясняет – художник даёт необъяснимый результат новой гармонии. 

Представленная коллекция состоит из двух циклов: «Архитектурный абстракционизм» и «Необъяснимые взаимодействия», в которых художник языком пластических форм и знаков говорит о взаимодействии структур мироздания, восторгаясь гармонией бесконечного и беспредельного мира.

Здесь каждая картина является пластическим экспериментом в максимально очищенном состоянии. Художник работает над взаимодействием отдельных плоскостей цвета, выключая перспективное пространство. Каждое пятно цвета – это отдельная субстанция, оно медитативно и может быть бесконечной глубины. Сила цвета такова, что вызывает душевную вибрацию, становясь его проводником до глубин души.

Творческие эксперименты имеют сходство с поэтическим ощущением взаимодействия слов и музыкальности композиционного строя, поэтому отправной точкой моего погружения стала первая буква алфавита. А-Абстракция – это не обозначение художественного метода, но смысла, где автор хочет поговорить о том, что неявно... О том, что «В начале было Слово»…

Текст: Игорь Ширшков

На фото: "Пространство лабиринта", холст, акрил, 100x240

Арт-проект «Плотность пустоты» стартует 29 мая в ARTPLAY SPb при поддержке ABRAMOVA GALLERY

Арт-проект «Плотность пустоты» стартует 29 мая в центре дизайна ARTPLAY SPb. Зритель погрузится в пространство дополненной реальности и выйдет за рамки привычного восприятия произведений искусства. Единственным медиатором между ним и миром художника, пространством реальным и виртуальным, станет неотъемлемый элемент современной жизни – смартфон. С помощью приложения Alchemy, через черный квадрат «Пространства пустоты», зритель окажется со скрытой в нем картиной один на один. 

 В проекте представлены работы 11 художников из России, Белоруссии, Франции и США: Алексея Захарова, Алексея Андреева, Ольги Крохичевой, Милы Скетч, Сергея Колесова, Андрея Сурнова, Антона Семёнова, Артёма Чебохи, Тараса Пащенко, Леонида Зарубина, Евгения Яновича. Автор приложения – Михаил Ершов. Приложение доступно для Android и AppStore: http://alchemy-ar.com/ 

 В выставке, не имеющей аналогов в мире, участвуют более 100 работ, расположенных в определенной последовательности: через графику и живопись к цифровому искусству, анимации и трёхмерной графике. Погружение в мир дополненной реальности начнется на 3 этаже ARTPLAY SPb, от галереи современного искусства Abramova Gallery (E3-130), где зритель получит не только план выставки и инструкции, но и возможность унести с собой частичку виртуального мира.

Персональная выставка Анатолия Заславского "Лицо и тело" пройдет с 17 мая по 10 июня

С 17 мая по 10 июня в Abramova Gallery пройдет персональная выставка Анатолия Заславского «Лицо и тело». Она открывает ряд мероприятий, посвященных юбилею мастера, которому в этом году исполняется 80 лет.

Идея выставки – художественное осмысление пластических возможностей человеческого лица и тела – родилась из желания соотнести изображения моделей, позирующих художнику, и портреты известных людей нашего времени: актеров, поэтов, философов, живописцев. Характер информации, который можно получить, прочитывая текст тела, и информацией, которую можно получить, вглядываясь в лицо, настолько различен, что заставит зрителя развить пластичность своего сознания.

В Abramova Gallery открылась персональная выставка Андрея Ноды "Преодолевая беспечность"

С 19 марта по 14 мая  в Abramova Gallery пройдет персональная выставка Андрея Ноды «Преодолевая беспечность». На ней представлено более 30 работ одного из самых известных художников Казахстана.

Живопись Андрея Ноды, собранная на выставке под девизом «Преодолевая беспечность» — это воплощение осознанного отношения к впечатлениям от жизни. Полотна художника раскрывают неуловимые полутона эмоциональных состояний, которые обычно оказываются на периферии нашей ежедневной рутины. Художник создает россыпь эмоций в пейзажах и портретах так, что выдуманный им мир обретает великую ценность, благодаря искренности и чистосердечности.

Исторические перипетии XX века стали плацдармом для всплеска нескольких волн экспрессионистической живописи. В череде предельно выразительных образов выделяется желание творцов возразить жестокости мира и, одновременно, забыться, скрыться от реалий в дурмане собственных артистических жестов. Сегодня экспрессионистическая живопись снова с нами. Правда, в центре внимания уже не отчаяние, страх и попытка эскапизма, а созидательное сосредоточение на собственных эмоциях. Технологический прогресс и всемирное ускорение создают необходимость вслушиваться в себя, находить силы на то, чтобы вырываться из рутинной центрифуги и оставаться наедине со своими переживаниями и рефлексией.

Живопись Андрея Ноды рождается из умения ограждать себя от внешней суеты и нырять в мир своих настроений и жизненных впечатлений. Студия Ноды находится в отдалении от города: у подножия гор в ущелье Талгар, в часе езды от Алма-Аты. Художник работает в окружении природы, и суматоха мегаполиса обходит его стороной. Эта бытовая вводная, несомненно, влияет на глубину художественной сосредоточенности: в обаятельных пейзажах и портретах Нода концентрируется на переживаниях, на которые человека провоцирует сама жизнь.

Отправная точка в творчестве художника — его личные реакции, но полуабстрактная декоративная манера изображения, с выдуманными персонажами в главной роли, обобщает индивидуальные переживания до общечеловеческого масштаба. Крупноголовые герои с щупленькими тельцами, но всегда добрым взглядом, сменяют регистр восприятия: вместо частной биографии нам предлагается ухватить ощущение или эмоцию, доступную к воспроизведению каждым. Среди них беззаботная расслабленность знойным днем, возбуждение от желанной встречи, творческая решительность или упоение меланхолией. И не столь важен лад переживания — минор и мажор одинаково ценны.

Мимо эмоций каждый из нас пробегает ежедневно, лишая себя возможности прожить их сполна. Это разновидность современной беспечности, когда на задворки жизни мы бездумно отправляем ценные моменты. Андрей Нода замедляет их, проматывает кадры на сверхнизкой скорости, позволяя зрителям наконец вжиться во все фазы ощущений. Будто специально для нас художник преодолевает беспечность.

Текст: Наталья Карасёва

На фото: "Начало дня". Холст, масло. 60x80

 

Весь март действует скидка 20% на скульптуры Ольги Муравиной

Скульптор Ольга Муравина известна своими совершенно одушевленными скульптурами. Дети и звери – это две основные темы в творчестве автора. Забавные и трогательные, порой немного неуклюжие, они предельно искренни в своих эмоциях.

Работы скульптура дополняют друг друга, как части одной коллекции образов, которую собирает автор. Похоже, что она собралась создать свою альтернативную модель мира, где правит безусловное взаимопонимание и примирение. Творчество Ольги Муравиной очень искреннее и бескомпромиссное, в нем есть стремление уйти от всего искусственного и стереотипного в мир настоящих чувств.

Подробнее об авторе...

 

Персональная выставка Евгения Зарембы «Обратная сторона» в Abramova Gallery

С 17 января по 15 марта 2019 в пространстве Abramova Gallery будет проходить персональная выставка Евгения Зарембы «Обратная сторона», на которой представят более 20 работ художника из Новосибирска.

Персональная выставка известного сибиряка Евгения Зарембы позволяет убедиться в истинности утверждения: творчество мастера «говорит само за себя». Название выставки  «обратная сторона»  – это метафора неизведанного опыта, прорыва на незнакомую территорию. Подлинность опыта созерцания – основа искусства Зарембы и главная причина его успеха у зрителя. В сущности, Евгений Заремба – художник, опирающийся на традицию. Ремесло живописца обнаруживается в слаженности целого, в связности, согласованности формы, сохраняющей родовую связь с живым прообразом.

Зыбкая природа образа, ускользающая от однозначной интерпретации – результат почти алхимической «дистилляции», «очищения», «сгущения» реального опыта всматривания. Это своеобразный эликсир, в котором Живописец сохраняет эфемерное, преходящее, мимолетное впечатление, игру отражений. Для него сохраняет ценность и одна из главных целей искусства 20-го века – воссоздание неуловимого субъективного опыта.

Одна из ключевых тем Евгения Зарембы – течение, движение, путь, почти даосское слияние субъекта и объекта, следование за потоком, за непрерывно изменяющейся «тьмой вещей». Художник же, подобно адепту даосской традиции, занимает промежуточное положение – он медиум, связывающий «верх» и «низ», макро- и микрокосм. Многие, выросшие из крошечных натурных этюдов, картины благодаря мобилизации зрительного восприятия (игра масштабов) приобретают особую мощь воздействия.

Живопись Зарембы  –  это процесс, вовлекающий внешнего наблюдателя в творческий поиск, исследование, сотворчество. Для зрителя, охваченного «радостью узнавания», процесс восприятия такой живописи становится опытом интроспекции – он сам должен воссоздать ключевой образ из неуловимых следов собственной визуальной памяти, проекций «заднего плана сознания» (К.-Г. Юнг). В этом вечном усилии узнавания – полнота проявления человека, воплощение сверхличной и, одновременно, глубоко внутренней, парадоксальной природы сознания.

Текст: Андрей Кузнецов

На фото: "Путешествие". Холст, масло. 90х120. 2018

Выставка работ Даши Намдакова в Михайловском замке

В Михайловском замке Государственного Русского музея открылась выставка работ Даши Намдакова, которая продлится до 11 марта 2019 года. В экспозиции представлены около 50 скульптур автора. 

Творчество Даши Намдакова связано с истоками народной бурятской культуры, историческими преданиями об эпических героях монгольского народа, с легендами и притчами буддизма. При этом его произведения исполнены в рамках академической традиции. Это всегда выразительные образы и точные рисунки движений. Среди его героев — Чингисхан, войны, амазонки и животные, которые сопровождали монголов в их охоте, — кони, соколы, а также мифические персонажи, защищающие от злых сил.

Последние годы творчества Даши связаны с поиском новых выразительных средств. Испытав влияние современного искусства, автор пытается выразить свое мироощущение через экспрессию формы, внесение колорита в искусство бронзовой скульптуры. Так появилась серия персонажей фэнтэзи, магически-таинственных образов, особым динамичным способом работающих в пространстве.

Произведения Даши Намдакова, представленные на выставке в Русском музее, могут быть приобретены для корпоративных и частных коллекций. По вопросам приобретения скульптур, графики и ювелирных изделий автора обращайтесь в Abramova Gallery!

 

Выставка "Границы пейзажа" в Abramova Gallery

20 ноября в Abramova Gallery открылась выставка «Границы пейзажа». Экспозиция представила размышления российских современных художников о границах пейзажа и пейзаже без границ.

Пейзаж пережил не одно перевоплощение в XIX-XX вв., однако несмотря на все метаморфозы даже сегодня он остается самим собой, какими бы неожиданными не были его репрезентации. Пейзаж, как и любой другой жанр использует различные медиумы - будь это технологические эксперименты медиаарта, пространственные опыты инсталляций, рефлексия contemporary painting или возвращение к модернистским и постмодернистским практикам.

Joie de vivre, воспетая Алексеем Ланцевым и Александром Косенковым на фовистском языке броского, условного цвета и не вышколенного рисунка, подкупает зрителя сегодня, после всех интеллектуальных ухищрений ХХ в., так же, как и сто лет назад.

Неоэкспрессионистские городские пейзажи Александра Румянцева ближе к немецкой традиции с ее меланхолией и агрессивностью, столкновение которых озадачивает нас. Лирическое напряжение — месседж этой живописи, рассказывающей взахлеб о заурядных обыденных вещах: вечерней суете на центральных проспектах или ночном горизонте, обозначенном мерцанием пестрых огней. Пейзажи Вячеслава Михайлова — ведуты-рельефы,  перелагающие  виды города на затейливый язык живописи, граничащей со скульптурой.

Сегодня особенно актуален пейзаж, выполненный в традиции живописи цветового поля. Произведения Андрея Сяглова возвращают нам силу письма Ротко с его утопией тотальной пространственной экспансии.

Стихии, не знающие законов, взвихренное пространство, лавина, сминающая лавину, не угрожают крохотным фигуркам, едва читающимся в глубине холстов Евгения Зарембы. Человек не сразу занял свое место в пейзажной живописи, но уже не одно столетие художников увлекает рассказ о его беззащитности, а также о счастье и отваге быть частью мира стихий.

Еще один классический пейзажный сюжет — места, оставленные людьми. Заброшенные фермы Виктории Иконен — меланхолические виды, сближающие фотореализм с метафизической живописью.  Николай Чирятьев ближе всех остальных участников к метамодернистской аналитической живописи с ее фрагментацией изображения, подлавливающей ракурс, который случайно выхвачен наугад наведенным фотоаппаратом. Так работают сегодня живописцы, позиционирующие себя contemporary artists.

Эти современные версии пейзажей продолжают разные традиции, сохраняя за пейзажем свободу оставаться самим собой.

В Российском этнографическом музее в Санкт-Петербурге открылась выставка кукол, изготовленных в семье скульптора Даши Намдакова

На выставке "Ульгер. Авторские куклы семьи Намдаковых" представлены не только куклы из коллекции Арт-Фонда Даши Намдакова и галереи Бронштейна (Иркутск), но также значительное количество экспонатов из собрания Российского этнографического музея.

По словам Даши Намдакова, экспонирование коллекционных кукол в контексте этнографического пространства "дает возможность воссоздать целостный образ бурятской культуры, раскрыть глубинную связь этнографических памятников и художественных произведений, в которых зримо и ярко проступает душа народа".

По данным Российского этнографического музея, коллекция кукол семьи Намдаковых насчитывает около 20 произведений. В частности, они включают традиционные костюмы бурятской невесты и монгольской замужней женщины, мужской праздничный бурятский костюм, воинское снаряжение лучника, бурятское и монгольское парадные седла на коня, предметы конской упряжи, сосуды для чая, национальные музыкальные инструменты, модель буддийского алтаря. Куклы выполнены как скульптуры в стилизованных национальных одеждах с историческими атрибутами. Они статичны, но у каждой есть определенный характер, а в изысканной позе характерная пластика.

В основе образа современной авторской куклы мастеров из семьи Намдаковых лежит графический рисунок-эскиз, который рождает идею куклы. Даши делает эскизы, другие члены семьи мастерят каркасы кукол, третьи - придают основную форму и колорит образа персонажа, "одевая" его, используя натуральные материалы и традиционные техники.

Приобрести работы Даши Намдакова в Петербурге можно эксклюзивно в Abramova Gallery.